二年级中外美术史复习

中外美术史复习重点

1选择、填空

在迄今出土的彩陶文化遗址中，发现最早并且很有代表性的是仰韶文化。

在新石器时代，黑陶是较彩陶烧制技术更成熟的又一辉煌的工艺成就。

中国青铜时代最大的重器是后母戊。

青铜器立体立体塑造的装饰有浅浮雕，高浮雕，圆浮雕几种手法。

汉画的题材主要有四大方面，一是日常生活的场面，而是历史故事，三是神话传说，四是天象图。

张彦远创造了密体，唐代吴道子创造了疏体。

铁线描 指绘画中的一种线描方法，因其笔法谨严，连绵悠长似铁线而形容之。 杜甫的诗句“书贵瘦劲方通神”可以形容欧阳询的《梦奠帖》。

天下第一行书是王羲之的《兰亭序》，第二行书是颜真卿的《祭侄文稿》。

“诗中有画，画中有诗”是对唐代画家王维的画作的评价。

直接继承“张家样”的第二位重要仕女画家是周肪。

王维在《夏日山居图》运用了牛毛 表现尖细乱碎的山石，感觉浑浊而不板滞。

赵佶代表作《腊梅双禽图》《芙蓉锦鸡图》。

松江画派的主要领袖人物是董其昌。

郭熙的《早春图》是现存最早有确切纪念的卷轴画。

明代四元家是黄公望，吴镇，王蒙，倪瓒。

“吴门四大才子”是祝允明，唐寅 ，徐桢卿，文征明。

古希腊的第三种重要柱式是华丽的科林斯柱式。

罗马式建筑某种程度上是因其恢复砖石拱券而得名的。

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达芬奇成熟期的作品是《岩间之母》，运用的手法是他富于创造性的细腻柔和明暗过渡表现法。

样式主义美术追求一种感觉效果独特，形式感很强的风格，他们手中的作品往往带有刻意雕塑，冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。

扬 ·凡 ·埃克综合了前人经验的基础上，对绘画所用的颜料进行了改进，发明了新的调色油，他以这种新绘画技法绘制了《阿尔诺芬尼夫妇像》。

卡拉瓦乔 在《召唤圣马太》一画中运用了强烈对比明暗法，借以突出重点，渲染气氛。 安格尔一生最伟大的代表作是《泉》

“高贵的单纯，静穆的伟大”是对古希腊雕塑的评价。

康斯太勃尔认为“绘画是一种科学”

古风时期出现两种重要的装饰艺术风格：黑绘风格和红绘风格。

罗丹是一位真正的雕塑家，他的代表作有《吻》《巴尔扎克像》《加莱人民》《思想者》。 凡高和高更是表现主义的奠基人。

修拉的代表作是《大碗岛的星期天的下午》，是新印象主义作品。

英国文学的唯美主义运动主张“为艺术而艺术”。

象征主义的哲学基础是神秘主义。

立体主义的起因是两个青年画家毕加索和布拉克对塞尚画中发现的某些实验加以理性的研究。

表现主义的三个核心是，野兽派，轻骑士，桥社。

蒙德里安把绘画最基本的语言限制于最基本的三要素，即垂直和水平线，三原色（黄，红，蓝）和三种非色彩系列（黑，灰，白）。

20世纪前半期最重要的四大建筑师是格罗皮乌斯，赖特，勒 ·柯西布耶，米斯·凡 ·得·罗 。

2名词解释

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史前社会 是指人类在有文字记载之前存在的社会，其生产力和生产水平相对于文明社会都较低下，所以通常又被称为原始社会。

玉器 是磨光石器的一种，因其特殊的玉石质料独立成为一类宝石，玉石因其硬度不同可分为软玉和硬玉两种，琢玉是制作玉器的主要手段，工艺十分精致。

甲骨文 是目前发现最早的汉字形态，因其书刻在龟甲和牛 骨上而得名，它记录的是甲骨占卜的整个过程，故有称“卜辞”。

隶书 是秦汉时代主要的书体，以绞转的笔法书写文字，书体多为平扁，行距整齐，风格典雅，隶书经历了秦汉，汉简书和汉碑等几个阶段，对形成真书，行书和草书，都有直接的影响，隶书笔法和汉画的线条也有密切的关系。

书画合一 是宋代文人开始将书法笔法和写意画法结合起来的一种形式，它由赵孟 明确加以提倡和总结，得到了元代文人画家们的积极响应。

三叠两段 石涛总结的山水画的构图的重要程式，三叠是一层地，两层树，三层山。两段是景在下，山在上。

浪漫主义 浪漫主义美术是一种强调个性表现，主张创作自由，重视想象和感情的美术。在许多方面，它同崇尚严谨的完美形式，追求理智和感情统一，再现普遍主义美术家在从事创造之际，往往借鉴非古典的传统。

后印象主义 对可以看到的形体结构问题的回归，对表面设计，色彩内涵及装饰性的重视，对表现性变形的自觉运用。

达达主义 达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。 社会现实主义 就狭义而言，社会现实主义指的是揭露社会时弊的绘画，就广义而言，还包括一反映美国一般生活和地方特征的风俗画，有的作品还带有某种批判性。社会现实主义这个名词颇具代表性，它可以引申为一种艺术类型，涵盖一切反映社会现实的艺术。

3简述和论述题

1，论述新艺术运动对设计领域的影响。

答：约从1890年至1910年间欧美流行一种新装饰风格的艺术，即新艺术风格。这种风格流布很广，遍及美术和实用美术领域，如招贴画、插图

画、建筑设计、室内装饰以及玻璃制品和珠宝装饰等方面。这种风格是用装饰手段表现新的

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社会发展、新的技术和新的精神。象征主义和纳比

派在绘画中暗示的装饰图案的涵义，惯用的母题和作为象征符号的线条，都成为新艺术的基础。新艺术装饰风格的主要特点是经常运用曲线和非对称性的线条，这些线条大多取自花梗、花蕾、葡萄腾、昆虫翅膀等自然界中优美的有波状曲线的形体。新艺术在建筑领域的目的也是想解决建筑艺术的风格问题。新建筑的特征主要表现在室内，而外形一般比较简洁，尽量减少浮饰。其装饰主题是模仿自然界繁盛的草木形态的曲线。概言之，新艺术是从传统主义向现代主义转变的中介环节。它给艺术界引入了兴奋剂并产生了一股冲击力，最后解放了艺术家和公众的想象力，使他们接受并向往新的形式和新的空间。

2简述米开朗琪罗的雕塑风格。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

3简述意大利早期文艺复兴美术的特点和美学追求。 意大利文艺复兴的开端（13世纪末－14世纪上半叶）：这一时期是艺术家们对新的艺术精神和元素的探索阶段。这时的艺术还不成熟，尚未形成理想化的规范，却能体现出艺术家们对新的艺术技法的追求。如何更真实地反映画面上的内容？成为当时意大利艺术家所关注的核心。于是他们开始着手研究古代雕刻，研究希腊罗马的绘画风格，形成了崭新的写实风格。对这种新风格起决定性影响的人，是佛罗伦萨画家乔托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《犹大之吻》等。乔托被视为西方绘画的开创性大师，他是第一个把写实风格和明暗远近法结合起来的艺术家，迈出了绘画中关键性的一步。此外，他还把优美的叙事同忠实的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义。但无可否认，乔托作为文艺复兴初始期的探索者，其对构图的空间关系，对色彩的处理，甚至对明暗对比等等技法仍然是比较幼稚的，但作为开创历史的先河，乔托对后世的影响还是受到世人的肯定的。

意大利早期文艺复兴的美术（15世纪）：意大利早期文艺复兴美术的进展构成了非常错综复杂的场景。这是一个许多地域性艺术流派诞生与繁荣的时期折射一个各种思潮积极地互相影响与展开斗争的时期。在这个百花争研的时代，注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们共有的特色。其中最著名的三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。这里主要介绍画家马萨乔。马萨乔Masaccio（1401—1428）， 其代表

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作《出乐园》和《纳税钱》等；马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。是文艺复兴时代绘画中现实主义的奠基者。马萨乔以科学探索的精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。它的人物较之乔托的更加真实有力，同时他也是文艺复兴画家中第一个掌握透视法的人，第一个能在衣纹之下隐显人体结构的人和第一个广泛运用明暗对比手法的人。马萨乔还把风景放进他的构图，使风景具有壮丽的、概括的、真实的性质，他借助于风景来扩大画面范围，赋予画面以辽阔的空间感。他的贡献，其一在于以科学的态度对画面（人物）进行更真实的描写与刻画，其二在于把风景与人物互相配合，相得益彰。 意大利早期文艺复兴的美术家，在15世纪前四分之三左右的岁月中，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使活生生的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使立体人物活动在其中，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。他们的实践，从实质上说，体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

4简述红绘风格的特点。 红绘风格与黑绘风格相反，即陶器上所画的人物、动物和各种纹样皆用红色，而底子则用黑。故又称红彩风格。流行于公元前6世纪末到公元前4世纪末。这种风格优越处在于灵活自如地运用各种线条刻划人物的动态表情，充分发挥线条的表现力。

5简述印象主义美术的风格特点。

印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派,其代表人物有莫奈、马奈、卡米耶·毕沙罗、雷诺阿、 西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。他们继承了法国现实主义前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统,使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖,摆脱了讲述故事的传统绘画程式约束,艺术家们走出画室,深入原野和乡村、街头,把对自然清新生动的感观放到了首位,认真观察沐浴在光线中的自然景色,寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,把变幻不居的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格,不能不说是印象派绘画的创举和对绘画的革命。印象派美术运动的影响遍及各国,获得了辉煌的成就。直到今天,他们的作品仍然是人类最受欢迎的艺术珍宝。

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6论述印象主义之后的美术的重要画家的美术追求。

印象主义之后主要出现后印象主义、新印象主义、综合主义、纳比派和象征主义等几派画别，19世纪末在欧美掀起了新艺术运动。 群画家以及画风的。该词由英国艺术评论家并曾任纽约大都会博物馆馆长福莱提出的。他想对保罗·塞尚立论，就需要一个新术语。几十年来，法国人并没有将这三个人和印象主义加以区别，只是近期才用这一术语把他们和那些主要名家区分开来。虽然保罗·塞尚一生中的大部分时间都和那群画家一起展出作品，但“后印象主义”仍是一个方便的术语用来突出这三位后来的画家，而且他们也确实与该群体十分不同。在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。他们在尊重印象派光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响，直接导致了结构主义的诞生。

新印象主义的倡导者是乔治·修拉。修拉潜心研究关于色彩学的著作，试图把感觉加以综合上升到理性分析，变成科学的表现形式。他的画尺寸很大，虽然数量不多，但却有重要地位，因为这些精心设计的作品表现出对几何学和形式结构要素的关注，预示了20世纪抽象艺术家的创作。修拉的代表作是《大碗岛的星期日下午》

(1884--1885)，在这幅画中，人物众多却很少交搭，画家运用了精确而有条理的科学方法处理人物之间的空间距离。画中稳定的结构关系给人以古典艺术的印象。画面上红与绿、黄与紫、蓝与橙的对比成为基本色调。

把他开创的理论加以发扬的画家是保罗·西涅克(Paul Signac,1863--1935)。修拉死后，西涅克成为新印象派的首领。他运用长方形笔触描绘巴黎城市风光和乡间景色，特别是许多水上风光。虽然仍然使用纯色，但画面较为活泼，与修拉的古典气派不尽相同。西涅克还把他和修拉的理论写成专著《从德拉克罗瓦到新印象主义》，总结了从法国浪漫主义到印象主义再到新印象主义的实践和理论。

新印象主义和印象主义之间的共同点在于：他们都喜欢把情节化为主题、描绘当代所熟悉的生活、题材以风景为主、注重画面光色效果等。但是他们之间存在着鲜明的差异：印象主义画家强调色彩的光学混合作用，不反对色彩混合使用，而新印象主义则强调不在调色板上调和各种颜色，强调严格地从色彩规律出发，把各种单纯的单色通过细小的笔触并列在画面上，经过观者的视觉作用达到自然调和，给人以冷漠和静止的感觉。如果说印象主义所表现的是主观化了的客观事物，那么新印象主义就是表现纯客观的对象，它制约了画家的情感传达，它必然导致极端的变革——后印象主义的诞生。

象征派在派诗人马拉美、波特莱尔，音乐家瓦格纳及尼采主观唯心主义思想的影响。象征派主张强调主观、个性，以心灵的想象创造某

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种带有暗示和象征性的神奇画面，他们不再把一时所见真实的表现出来，而通过特定形象的综合来表达自己的观念和内在的精神世界。在形式上则追求华丽堆砌和装饰的效果。

7论述中国跟欧洲的艺术的冲突，风格，态度，美学追求。 +P351

中国艺术风格从大的说（也就是不仅包括绘画，还包括音乐、戏剧、雕塑、工艺等）就是这些艺术背后的中国哲学和美学与西方的不同，因为艺术就是哲学的不同体现方式。中国哲学讲究天人合一，无为之美，和谐与虚实（或更强调“虚”）。在艺术上“大音希声”、“大象无形”是审美的最高法则。这就是中国的国画中的布白、书法中的“意周笔不周”、京剧中的“日行千里”的妙谛和原因。而西方艺术更讲“实”，他们以对自然或人的心理变化的模仿相似程度为品评艺术标准。简单来讲中国的东西更加抽象、形而上；西方艺术更加直观，形而下。 如果单纯从绘画角度讲，我个人认为中国艺术的首要风格是“气韵”，气韵在国画里是一个非常重要的概念，可以说最重要的。但西画里没有，他们可能更讲“气氛”，但气氛相对气韵来说更简单了一些。

其他就是一些技术性的差别了，比如国画构图是半构图留空白，而西画是满构图；国画颜色较单一，到唐宋以后更是黑白当道，而想象无穷，而西画颜色就相对丰富，即使“酱油色”中也很多变化；国画散点透视、西画焦点透视；国画讲线条，西画讲面；国画重义、西画重形。

8论述宋代文人画家的美学追求。

从画家的文人身份和文人心态来看，受儒学和禅宗双重影响的宋代士大夫，尊崇的是治国平天下的经世大道，但潜意识里却崇尚独立人格，身在宦海，仕途难免不受挫折，心中虽怀不平之治，却受制于政治礼制的约束，令人惶惧，在朝在野，实难两全，哪怕得一时之“闲”也足以涤除烦恼，消解怨愁。明言之，文人的“闲”是摆脱世俗纷争的超然态度，赏花、弈棋、“玩墨”、饮茶论文、默参信佛就是“闲”的各种状态。文人画家则把绘画当成“闲”时的一份情趣，一种寄托，一刻心灵享受，而不是把它看成一门科学，一门技艺。诗、书、画虽无助于社会的变革，但教人“看淡一些东西”，让人以醇净空疏之心去解悟人生，获得心灵的自由与宽解，自得其乐，文人画便成了文人心理上的宁憩之所。

宋代文人画家继而将这种自我解嘲的襟怀、乐天达观的精神、自由高尚的人格融为

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一体，化合出了文人画情趣的“逸”。“逸”在绘画上为超然出世的风韵，是“闲”在艺术上的显现，也是文人画家的心理需求。由于“逸”得到宋代文人画家及论者的推崇、阐发，“逸”从心态上又被提升到文人画最为根本的“人品”。文人画的一个特点是“画”精神，熟练的技巧似乎只是必然的副产品，它的终极目标是完美人格，净化心灵。如李公麟、苏轼、文同、米芾等文人画家的诗文书画活动非常活跃、频繁，他们都有精深的文化修养和书法造诣，绘画多为寄兴抒情之作，反对过分拘泥于形似的描摹，艺术上力求洗去铅华，而趋于平淡素雅，力倡天真清新的风格。“能文而不求举，善画而不求售”的精神，道出了人格之高为文人画家之本。文人画作品的高低优劣，取决于人品，如秦桧、蔡京的书法、文学“皆臻精品”而终于被历史湮没不传，原因是“其人大节以亏，其余技更一钱不值矣。”在正统士大夫的眼里，人格、气节成了衡量人的第一条原则。正因为这样，与前代不同，宋代文人画的创作题材尤其偏重墨竹、墨梅、山水、树石及花卉，画家十分追求主观情趣的心理表现。如文同的墨竹、苏轼的枯木竹石、杨无咎的墨梅、水仙，赵孟坚的梅兰竹石等就是借物来比拟自洁、自珍、自重的人品和情操。

其次，画家自身的人生经历与人生遭遇影响着他们的审美心理，并反映在他的艺术作品上。换言之，文人画家的艺术作品其实是他们深层次心理特征的反映。既然文人尊崇的是儒家之道，潜意识里却崇尚禅宗思想，那么文人画家所创作的作品无意识地为自己的人格自由树起了物化标识，最能真实地彰显自我。根据弗洛伊德的理论，每个人生来内心就存在有一种对世界反叛性的潜意识，这种潜在的叛逆心理在后天的社会环境里受到压制，人们要服从社会规范，其行为不能与之公开对抗，但这种叛逆心理需要释放以求平衡。因此，文人一旦失意，或者他的独立人格同现实剧烈冲撞时，便不自觉地在艺术中寻求平衡，其心理表现最终体现在他的艺术风格上。如苏轼，所处的政局反复多变，党争彼伏此起，一生历仁、英、神、哲、徽宗五朝，他的政治生涯充满坎坷，为宣泄个人的主观情感找个新的方式，正如苏轼言：“诗不能尽，溢而为书，变而为画。”文人画以其特有的立意，以借物寓心的方式形成抒发个性的创作高潮。所以宋代文人画家在人生之祸福逆顺中能胸怀某些乐观精神，实得力绘画的陶泳，有此功夫和情操足以增加人生乐趣。